Ara mateix


Cridem qui som i que tothom ho escolti.
I en acabat, que cadascú es vesteixi
com bonament li plagui, i via fora!,
que tot està per fer i tot és possible.


Miquel Martí i Pol

lunes, 16 de diciembre de 2013

la Navidad - Charles Dickens

foto C. Icaria
Honraré la Navidad en mi corazón y procuraré conservarla durante todo el año.
Charles Dickens

domingo, 15 de diciembre de 2013

La niña de los fósforos por Hans Christian Andersen




¡Qué frío hacía!; nevaba y comenzaba a oscurecer; era la última noche del año, la noche de San Silvestre. Bajo aquel frío y en aquella oscuridad, pasaba por la calle una pobre niña, descalza y con la cabeza descubierta. Verdad es que al salir de su casa llevaba zapatillas, pero, ¡de qué le sirvieron! Eran unas zapatillas que su madre había llevado últimamente, y a la pequeña le venían tan grandes, que las perdió al cruzar corriendo la calle para librarse de dos coches que venían a toda velocidad. Una de las zapatillas no hubo medio de encontrarla, y la otra se la había puesto un mozalbete, que dijo que la haría servir de cuna el día que tuviese hijos.

Y así la pobrecilla andaba descalza con los desnudos piececitos completamente amoratados por el frío. En un viejo delantal llevaba un puñado de fósforos, y un paquete en una mano. En todo el santo día nadie le había comprado nada, ni le había dado un mísero chelín; volvía a su casa hambrienta y medio helada, ¡y parecía tan abatida, la pobrecilla! Los copos de nieve caían sobre su largo cabello rubio, cuyos hermosos rizos le cubrían el cuello; pero no estaba ella para presumir.
En un ángulo que formaban dos casas -una más saliente que la otra-, se sentó en el suelo y se acurrucó hecha un ovillo. Encogía los piececitos todo lo posible, pero el frío la iba invadiendo, y, por otra parte, no se atrevía a volver a casa, pues no había vendido ni un fósforo, ni recogido un triste céntimo. Su padre le pegaría, además de que en casa hacía frío también; sólo los cobijaba el tejado, y el viento entraba por todas partes, pese a la paja y los trapos con que habían procurado tapar las rendijas. Tenía las manitas casi ateridas de frío. ¡Ay, un fósforo la aliviaría seguramente! ¡Si se atreviese a sacar uno solo del manojo, frotarlo contra la pared y calentarse los dedos! Y sacó uno: "¡ritch!". ¡Cómo chispeó y cómo quemaba! Dio una llama clara, cálida, como una lucecita, cuando la resguardó con la mano; una luz maravillosa. le Pareció a la pequeña que estaba sentada junto a una gran estufa de hierro, con pies y campana de latón; el fuego ardía magníficamente en su interior, ¡y calentaba tan bien! La niña alargó los pies para calentárselos a su vez, pero se extinguió la llama, se esfumó la estufa, y ella se quedó sentada, con el resto de la consumida cerilla en la mano.

Encendió otra, que, al arder y proyectar su luz sobre la pared, volvió a ésta transparente como si fuese de gasa, y la niña pudo ver el interior de una habitación donde estaba la mesa puesta, cubierta con un blanquísimo mantel y fina porcelana. Un pato asado humeaba deliciosamente, relleno de ciruelas y manzanas. Y lo mejor del caso fue que el pato saltó fuera de la fuente y, anadeando por el suelo con un tenedor y un cuchillo a la espalda, se dirigió hacia la pobre muchachita. Pero en aquel momento se apagó el fósforo, dejando visible tan sólo la gruesa y fría pared.
Encendió la niña una tercera cerilla, y se encontró sentada debajo de un hermosísimo árbol de Navidad. Era aún más alto y más bonito que el que viera la última Nochebuena, a través de la puerta de cristales, en casa del rico comerciante. Millares de velitas, ardían en las ramas verdes, y de éstas colgaban pintadas estampas, semejantes a las que adornaban los escaparates. La pequeña levantó los dos bracitos... y entonces se apagó el fósforo. Todas las lucecitas se remontaron a lo alto, y ella se dio cuenta de que eran las rutilantes estrellas del cielo; una de ellas se desprendió y trazó en el firmamento una larga estela de fuego.

"Alguien se está muriendo" -pensó la niña, pues su abuela, la única persona que la había querido, pero que estaba muerta ya, le había dicho: -Cuando una estrella cae, un alma se eleva hacia Dios.
Frotó una nueva cerilla contra la pared; se iluminó el espacio inmediato, y apareció la anciana abuelita, radiante, dulce y cariñosa.


- ¡Abuelita! -exclamó la pequeña-. ¡Llévame, contigo! Sé que te irás también cuando se apague el fósforo, del mismo modo que se fueron la estufa, el asado y el árbol de Navidad. Se apresuro a encender los fósforos que le quedaban, afanosa de no perder a su abuela; y los fósforos brillaron con luz más clara que la del pleno día. Nunca la abuelita había sido tan alta y tan hermosa; tomó a la niña en el brazo y, envueltas las dos en un gran resplandor, henchidas de gozo, emprendieron el vuelo hacia las alturas, sin que la pequeña sintiera ya frío, hambre ni miedo. Estaban en la mansión de Dios Nuestro Señor.
Pero en el ángulo de la casa, la fría madrugada descubrió a la chiquilla, rojas las mejillas, y la boca sonriente... Muerta, muerta de frío en la última noche del Año Viejo. La primera mañana del Nuevo Año iluminó el pequeño cadáver, sentado, con sus fósforos, un paquetito de los cuales aparecía consumido casi del todo. "¡Quiso calentarse!", dijo la gente. Pero nadie supo las maravillas que había visto, ni el esplendor con que, en compañía de su anciana abuelita, había subido a la gloria del Año Nuevo.
Hans Christian Andersen



Enlaces
http://www.aacap.org/AACAP/Families_and_Youth/Facts_for_Families/Facts_for_Families_Pages/Spanish/El_Maltrato_Infantil_Los_Golpes_Ocultos_05.aspx
http://www.proyectodiez.mx/2011/12/30/los-ninos-sin-navidad-un-retrato-descarnado-de-la-pobreza-en-guadalajara/5346
http://www.lemigrant.net/w0/?p=7748
http://www.laprimeraperu.pe/online/actualidad/la-cara-de-la-indiferencia_117129.HTML


 

sábado, 14 de diciembre de 2013

Canción de Navidad, - Serrat Sabina


No es verdad que me de náuseas la navidad
me conmueve la madre
el niño, la mula y el buey
lo que pasa es que estalla
una bomba en noche en la noche de paz
lo que pasa es que apesta
a zambomba el mensaje del Rey.

El portal de Belén
es un zulo virtual
pero en vez de turrón
este invierno me como un marrón
unos hígados chumbos envueltos en Papel Albal
y Gaspar en lugar de una bici me pone carbón.

Ojalá no abrasara el calor del hogar
cómo hacer cuando toca reír
si me da por llorar
corazón, no me quieras matar
corazón, sé de sobra quién paga y quién cobra
quien hace vudú
quien satura el cubo de basura de tu cotillón
San José se enfadó con el padre del Niño Jesús.

Para ti escribí este sol fa do re mi
te lo vas a encontrar en el árbol de Papa Noel
cómo voy a decirte que no cuando sabes que sí
que el cus cus sabe a grano de pus tatuado en la piel.

Satanás es un capo llevando el compás
infiltrado en el supermercado de la navidad

No es verdad…
No es verdad…
No es verdad…


Serrat & Sabina  



viernes, 13 de diciembre de 2013

Villancico del Niño dormilón - Gloria Fuertes




Villancico del Niño dormilón


No te duermas, Hijo,

que están los pastores.

Ellos te traen quesos,

ellos te traen flores.


Hijo, no te duermas,

que vienen los Magos.

Melchor, si le vieras,

los ojos muy largos,

Baltasar muy negros

y Gaspar muy claros.


Hijo, no te duermas

que nace mi llanto.

No cierres los ojos,

que te está mirando

un pastor sin madre

que vino descalzo

a ofrecerte un cuenco.


Cuenco de sus manos

lleno de azulinas

de las de tus campos.


¡Hijo, no te duermas,

que te están rezando!
Gloria Fuertes
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martes, 3 de diciembre de 2013

l'any Espriu






El llenguatge és un conjunt de fenòmens molt misteriosos, no en un sentit esotèric, sinó en el de complexos i poc explorats.

Salvador Espriu

El lenguaje es un conjunto de fenómenos muy misteriosos, no en un sentido esotérico, sino en el de complejos y poco explorados.

Salvador Espriu





http://www.anyespriu.cat/

Enlaces

La pell de brau - Espriu
INICI DE CÀNTIC EN EL TEMPLE
  La pell de brau
 

Vampirs - Joan Segons


Blog de Fotografías de Juan C. Sánchez Ávila

 
Prou. Ja s’ha acabat. En llevar-me carrego el revòlver i disparo.

Ja s’ha acabat. Serà com prémer el botó per apagar la tele; hi havia neu. Amb un botó, tot esdevé negre i marxa. Només us queda un punt blanc clavat a la retina.
 
Ja s’ha acabat. Quan em llevi disparo. Ja veig la font de sang que ni amb tot el dolor del món podríem taponar. Si pogués, llavors els diria: «preneu i beveu, que aquesta és la meva sang, la que encara no m’havíeu xuclat».
 
Ara m’he llevat. Però miro per la finestra i veig la Ciutat que m’espera, i em diu que em banyi en ella, que m’hi capbussi sense por. I penso que ho deixaré, almenys per avui. Deixaré que siguin ells, els que em dessagnin lentament.

Joan Segons, 1994 

Vampiros

Basta. Ya se ha terminado. En el momento de levantarme cargo el revólver y disparo.

Ya se ha acabado. Será como pulsar el botón para apagar la tele; había nieve. Con un botón, todo pasa a negro y desaparece. Sólo queda un punto blanco clavado en la retina.

Ya se ha acabado. Cuando me levante disparo. Ya veo la fuente de sangre que ni con todo el dolor del mundo podríamos taponar. Si pudiera, entonces les diría: «tomad y bebed, que esta es mi sangre, la que todavía no me habíais chupado».

Ahora me he levantado. Pero miro por la ventana y veo la Ciudad que me espera, y me dice que me bañe en ella, que me zambulla sin miedo. Y pienso que lo dejaré, al menos por hoy. Dejaré que sean ellos, los que me desangren lentamente.


Joan Segons, 1994 



Fuentes
http://www.oocities.org/soho/cafe/Cafe/1715/qui.htm
http://barcelona-photo.blogspot.com.es/2011/07/barcelona-skyline-desde-el-parc-del.HTML
http://www.badosa.com/?a=Segons
 

lunes, 2 de diciembre de 2013

INVIERNO - Pere Gimferrer

 
 INVIERNO


Precisa cual la escarcha, noche estricta,
Árboles: alegorías del camino.
La luz, cuajada, este silencio dicta.
Mi ser todo renuncia a su destino.

 Pere Gimferrer


 foto C. Icaria





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domingo, 1 de diciembre de 2013

shibari, el arte japones del Bondage



Lady Gaga by Nobuyoshi Araki



Atar fuertemente es abrazar… Las cuerdas se convierten en una extensión de los dedos del atador   

 Nobuyoshi Araki.






El uso creativo de cuerdas y envoltorios ha formado parte de la tradición social y cultural del Japón desde el periodo Jōmon (literalmente “diseño de cuerda”), que va desde el 1.000 hasta el 300 antes de Cristo y recibe su nombre de los hermosos patrones realizados mediante sogas de yute en piezas de alfarería. Envolver cuidadosamente los obsequios es también un arte con sus propias reglas: es conocida la historia del maestro zen Ejo Takata, que le regaló a Jodorowsky un paquete complicadamente envuelto. Cuando tras mucho esfuerzo logró desenvolverlo, el escritor chileno vio que estaba vacío: el auténtico regalo era la experiencia estética efímera e irrepetible de deshacer la hermosa y enmarañada atadura.

En la religión sintoísta tienen un papel importante las ataduras: las cuerdas llamadas shimenawa marcan los lugares considerados puros o sagrados, como los templos o los árboles donde habitan los espíritus
Foto : Denis Khiusov

la palabra shibari (
縛り) significa literalmente “atadura”, mientras que kinbaku (緊縛) se podría traducir como “atar fuertemente”. En la práctica, ambas palabras se emplean casi indistintamente para referirse al arte japonés de la atadura erótica.

 la diferencia de concepto entre el shibari japonés y los cordajes de orientación occidental (Bondage), que solo pretenden generalmente la inmovilización del sujeto. El arte del shibari tiene también otros aspectos, como la calidad estética del conjunto cuerda-atamiento-sumisa, el plano triangular formado por el maestro, la persona atada y el espectador (muy importante en la tradición japonesa) y tiene, además, muy en cuenta el efecto energético –negativo o positivo- sobre ciertos puntos del cuerpo de la persona entregada al maestro, relacionados con los meridianos energéticos del cuerpo humano según la tradicional medicina oriental.

PaperDolls/ Constellations by Malcolm McGettigan
Para la persona atada, el efecto es en parte físico: la presión de las cuerdas sobre puntos sensibles y zonas erógenas, el roce que puede ser suave o áspero según el tipo de cuerda…  En una suspensión entra en juego la ingrávida sensación de volar y perder los referentes; en una atadura sobre tatami o una cama, el sentirse manejada, empujada, acariciada por las cuerdas. Los efectos psicológicos son potentísimos y a veces contradictorios: el chorro de adrenalina al sentirse indefenso y a la merced del atador, frente a la relajación y confianza de saberse en buenas manos y poder librarse de toda responsabilidad y vergüenza

El establecimiento de una comunicación fluida entre atador y atado convierte una sesión de shibari , sea performance con público, sea juego privado, en un cruce entre baile intenso y pelea de artes marciales…  Entra también en juego el aspecto estético: la disposición de las cuerdas realzando y subrayando las formas de la persona atada, la contorsión erótica de los cuerpos, las posturas tanto expuestas como recogidas, tensas o relajadas. La expresión de la cara de la persona atada suele ser clave en las fotografías de shibari: en una cultura como la nipona, famosa por su impenetrabilidad facial, dejar traslucir una emoción profunda crea un instante potente y significativo
Foto Nobuyoshi Araki
El  shibari desciende de la tradición  hojōjutsu (捕縄術), un arte marcial japonés que enseña a utilizar cuerdas para capturar y atar prisioneros para su arresto, transporte o castigo. Sus orígenes se encuentran en el siglo XVI como arma de guerra (era una de las 18 técnicas de lucha en que se instruía a los samurai), y posteriormente como herramienta policial.

 las ataduras del prisionero podían seguir complicados patrones según su clase social, el delito cometido o el castigo que le estaba reservado, algunas ataduras se utilizaron abundantemente como métod
o de tortura durante el periodo Edo (siglos XVII-XIX).

Ilustración Itoh Seiyu
El paso de la brutalidad medieval al refinamiento del arte erótico se dio de forma gradual durante el siglo XIX y llegó a su cumbre gracias a la influencia del pintor Itoh Seiyu, llamado el “padre del kinbaku”. que combinó esta técnica con los juegos eróticos de dominación y sumisión (lo que hoy llamaríamos BDSM), haciendo nacer el arte del shibari. Seiyu transformó gradualmente las ataduras del hojōjutsu buscando convertir la brutalidad en placer: las cuerdas que antes presionaban estratégicamente nervios causando un gran dolor pasaron a buscar las zonas erógenas y seguras; empleó nudos y pases de cuerda que no se apretaran con el forcejeo, evitando así el riesgo de cortar la circulación…


Foto Nobuyoshi Araki
Inevitablemente Itoh acabó teniendo problemas con la censura: la primera vez por publicar “material obsceno” y después  por unos dibujos ofensivos hacia el Confucianismo. Sin embargo, su popularidad como artista y enfant terrible le permitió suavizar sus relaciones con las autoridades. Para entender esta libertad sorprendente a ojos occidentales tengamos en cuenta que parte del Japón cultural de los años 20-30 estaba influido por los excesos artísticos de la república de Weimar y tendencias experimentales de vanguardia…

La influencia de Itoh, se transmite a otros artistas como el dibujante Minomura Kou, que bajo el seudonimo de Kita Reiko. que ilustró en 1952 “Diez mujeres atadas “, en la revista nipona Kitan Club (abreviatura de “El club de las historias extrañas”). Esa ilustración se puede considerar fundacional, al abrir un nuevo camino al arte del shibari hacia los medios de comunicación.

 Kita Reiko



Alrededor de Kitan Club  se organiza un grupo de artistas que dan un nuevo impulso al arte del shibari, a pate del ya citado Minomura Kou (Kita Reiko)  destacan los escritores Dan Oniroku y Nureki Chimuo, reconocido hoy en día como el mayor nawashi (“maestro de cuerda”) vivo.

Kitan Club se convirtió también en revista de referencia para otros artistas fuera de Japon y abrió camino a muchas otras revistas, libros de fotografía, novelas y películas relacionadas con el sadomasoquismo y el shibari. Fue por ejemplo en la revista SM Sniper donde Nobuyoshi Araki, , publicó en 1979 uno de sus mejores portafolios de shibari. También influyó en artistas occidentales  como el caso del  dibujante y fotógrafo John Alexander Scott Coutts, alias John Willie. Fue un auténtico pionero del arte fetichista en occidente y que publica en la revista la revista Bizarre.  La influencia fue bidireccional, y en  Kitan Club pueden encontrarse obras de Willie,  Eric Stanton y otros dibujantes y fotógrafos estadounidenses de la época



Kate Asabuki
Estas publicaciones permitieron el intercambio de ideas, información y técnicas. De ese caldo de cultivo han ido surgiendo con el tiempo grandes nawashi (“maestros de la cuerda”), es decir, personas con reconocido talento para la atadura erótica. Para ser considerado un nawashi no hace falta sólo habilidad técnica, sino sobre todo sentido estético y capacidad para establecer una comunicación profunda con la modelo. Cada nawashi tiene su propio estilo: hay quien prefiere las suspensiones y quien favorece el bondage de suelo; hay quien gusta de los patrones ordenados y quien potencia la asimetría y la originalidad.

Uno de los nawashi más influyentes fue Akechi Denki, De carácter suave, amable y dialogante, contribuyó enormemente no sólo al avance de la técnica de la atadura sino también a acercar al público su arte. Akechi falleció prematuramente en 2005, dejando alguno de los mejores libros de fotografías de shibari , como Pleasure and a Little pain, con la actriz Kate Asabuki). La autora francesa Agnès Giard le dedica su  ensayo L’imaginaire erotique au Japon usando estas palabras: “A la memoria de Akechi Denki, que ataba a las mujeres tan dulcemente que ya no querían ser desatadas”.

rope by Osada Steve
también hay mujeres maestras de shibari, como ejemplo BenioTakara,discipula de  Akechi Denki , y actualmente una reconocida Dómina y maestra de la cuerda.

El shibari es ante todo una comunicación íntima entre dos personas… Pero al ser un arte tan visual y estéticamente potente, es lógico que encuentre uno de sus principales medios de expresión encima de los escenarios, Osada Eikichi, fue de los primeros en llenar locales con sus coreográficas e intensas actuaciones tras su primera performance en el estudio de ballet Ars Nova de Tokio, en 1964, otros artistas que han actuado en los escenarios son Osada Steve, de origen alemán y único nawashi occidental residente en Japón. Las apariciones públicas de Osada Steve resultan siempre espectaculares, ya que posee un magnetismo particular y un sentido escénico muy desarrollado,  la bailarina berlinesa Dasniya Sommer que combina shibari,y danza contemporánea.





Fuentes:
http://www.jotdown.es/2011/10/shibari-el-arte-japones-de-la-atadura-erotica/




Dona’m la mà – Joan Salvat-Papasseit

 
 
 

Dona’m la mà


Dóna’m la mà que anirem per la riba
ben a la vora del mar

bategant,
tindrem la mida de totes les coses
només en dir-nos que ens seguim amant.

Les barques llunyes i les de la sorra
prendran un aire fidel i discret,
no ens miraran;

miraran noves rutes
amb l’esguard lent del copsador distret.
Dóna’m la mà i arrecera la galta
sobre el meu pit, i no temis ningú.
I les palmeres ens donaran ombra.
I les gavines sota el sol que lluu

ens portaran la salabror que amara,
a l’amor, tota cosa prop del mar:
i jo, aleshores, besaré ta galta;
i la besada ens durà el joc d’amar.

Dóna’m la mà que anirem per la riba
ben a la vora del mar

bategant;
tindrem la mida de totes les coses
només en dir-nos que ens seguim amant.

Joan Salvat-Papasseit,
de L’irradiador del port i les gavines.
 
 Recita: Ovidi Montllor
guitarra: Toti Soler.
 

Enlaces
RES NO ES MESQUÍ
LES FORMIGUES - Joan Salvat Papasseit
EL CAL·LIGRAMA, 1 Joan Salvat Papasseit
EL CAL·LIGRAMA, 2 Joan Salvat Papasseit

AndréiTarkovski «Esculpir en el tiempo».


Tender hacia la sencillez supone tender a la profundidad de la vida representada. Pero encontrar el camino más breve entre lo que se quiere decir y lo realmente representado en la imagen finita es una de las metas más arduas en un proceso de creación
Andrei Tarkovski






Andréi  Tarkovski  (Андрей Арсеньевич Тарковский) 1932 – 1986  director de cine, actor y escritor ruso. Es uno de los más importantes e influyentes autores del cine ruso en tiempos de la Unión Soviética  desde Serguéi Eisenstein,

Hijo del  poeta Arseny Tarkovsky. Se inscribió en la Escuela de Cine VGIK (Instituto Estatal de Cinematografía de todas las Rusias)

Su primer largometraje, La infancia de Iván (1962) obtuvo el León de Oro del Festival de Cine de Venecia, Italia (ex-aequo con Cronaca familiare de Valerio Zurlini).

Pese al éxito de su primer film trabajar en la Unión Soviética  y en plena “guerra fria” significaba trabajar siempre con las limitaciones, tanto creativas como cinematográficas, impuestas por las autoridades rusas. así,  se le negó  el rodaje de una película posterior dedicada al Evangelio de Lucas.

El siguiente film de Tarkovski, Andréi Rubliov (1966), fue prohibido hasta 1971.

 Andréi Rubliov  intereso al Festival de Cannes, a comienzos de 1967. Éste negoció con las autoridades soviéticas que Andrei Rublev representara oficialmente a la URSS en la competición. Los soviéticos accedieron, pero antes del inicio del festival un telegrama de Moscú exigió la inmediata retirada de la cinta de Tarkovski. Los soviéticos alegaron que l…”a cinta contiene ciertas inexactitudes históricas, que obligaban a su retirada…”.

 Finalmente Andréi Rubliov  se exhibió en el Festival de Cine de Cannes, de 1969 (fuera de concurso). La prensa internacional se rindió ante la belleza del filme, la sencillez de la realización cinematográfica y la profundidad del mensaje intelectual de este joven cineasta con una obra magistral realizada a los treinta y dos años. Fue distribuida parcialmente para salvaguardar las apariencias, esto dio comienzo en Occidente uno de los más célebres mitos cinematográficos de los sesenta.

 El siguiente proyecto de Tarkovski, fue una adaptación del relato de ciencia ficción Solaris, del polaco Lem,. Fue pronto aclamada en el Este y considerada por muchos como la respuesta soviética a la película 2001: Una odisea del espacio, del director Stanley Kubrick, aunque Tarkovski siempre afirmó que no la había visto. Un crítico italiano acuñó un término afortunado para Solaris: "conciencia-ficción". Si la película revolucionaba el género de la ciencia-ficción, era por llevarlo al terreno de la conciencia y de la espontaneidad moral del individuo devienen imágenes materiales en las proximidades del misterioso planeta ideado por Tarkovski.


En 1975 realiza su siguiente obra, titulada Zerkalo. Se trata de un poema fílmico de Tarkovski que deja atrás todos los modos tradicionales de concebir una "película" y “…que se adentra en una inusual experiencia estética, psíquica y moral, que resulta complicado clasificarla”. Con esta obra continúa la polémica creando entusiasmos y rechazos a partes iguales. No gozó del favor de las clases dirigentes y fue catalogada oficialmente entre las de "tercera categoría" (equivalente a pocas copias, y escasos honorarios para el director), era exhibida en las peores salas del sistema de ocio socialista y mantenida poco tiempo en cartelera.


En 1983, rueda en Italia “Nostalghia” coproducción entre la Rai y Mosfilm. En ella se iba a adentrar en el paralizante estado emocional que los intelectuales rusos padecen al alejarse prolongadamente de sus queridas estepas patrias”…. Chaadayev en Suiza o en Londres, Gógol en Italia, Dostoyevski en Ginebra, el mismo Tarkovski en la Toscana: los rusos transforman su nostalgia en una suerte de amor omnicomprensivo, imposible solución de las contradicciones históricas de la Humanidad y que produce un tenor sentimental que a uno le hace sentirse capaz de abrazar fraternalmente todos los pueblos de la Tierra….”

 
Después de este rodaje anunció que no regresaría a la Unión Soviética. y manifestó que  de volver, nunca más tendría oportunidad de trabajar en el cine. Francia, Estados Unidos, Italia, Suecia, abrieron sus puertas al nuevo exiliado; Tarkovski aceptó la invitación italiana, y se instaló en Florencia.

En 1986, rodó en Suecia su ultimo largometraje “Sacrificio”,. Se presentó en el Festival de Cannes de 1986 y ganó el Premio Especial del Jurado. Sin embargo, en esos meses Andréi Tarkovski estaba sufriendo los estragos del cáncer y le fue imposible asistir a recoger el Premio Especial del Jurado que obtuvo esta película, y fue su hijo Andriushka quien lo recogió ante un aplauso general que se prolongó durante varios minutos. Gustos aparte, nadie discutía ya la autoridad de Tarkovski, sin duda había sobrepasado todos los registros convencionales del arte cinematográfico. Es la más acabada y consecuente desde el punto de vista de la ética y la estética tarkovskianas.

Andréi Tarkovski, murió de cáncer pulmonar el 29 de diciembre de 1986, en París  a la edad de 54 años, completamente alejado de su tierra natal, fue enterrado en el cementerio para inmigrantes rusos en Francia en el pueblo de Sainte-Geneviève-des-Bois, en Isla de Francia..

Andréi  Tarkovski , destaco como artista y  teórico del cine, desde 1962 escribió muchos artículos sobre cine y desarrolló una interesante teoría cinematográfica, a la que llamó «Esculpir en el tiempo». Él mismo destacaba una característica del cine: la capacidad de fijar el tiempo. A partir de esta idea, el cineasta debe esculpir un bloque de tiempo para dejar al descubierto la imagen cinematográfica. La mayoría de su trabajo es de un movimiento lento, como una pintura sobre una tela con texturas suntuosas y con un rico clímax emocional., sus películas son intensamente íntimas, ocasionalmente controvertidas, siempre hermosas en cada plano; y es por eso por lo que es considerado como un poeta del cine.

Ingmar Bergman, declaró sobre la primera obra de Tarkosvki La infancia de Iván: «Es un verdadero milagro. Me sentí conmovido cuando descubrí que todo lo que yo siempre quería contar, pero que no sabía cómo expresarlo, estaba en esta película».

 Su última obra, Sacrificio  (en el cual se filmó una escena de 10 minutos de duración, algo completamente inédito en la historia del cine mundial) es considerada por muchos como el perfecto reflejo de la legendaria teoría cinematográfica de Andrei Tarkovsky.  

Tarkovski exploró novedosas formas de narrativa cinematográfica, que influyeron en la posterior generación de cineastas, y desarrolló una interesante teoría cinematográfica, a la que llamó ‘Esculpir en el tiempo’, escrito en colaboración con Olga Surkova, es el ensayo más importante, sobre el cine entendido como arte supremo, Tarkovski no se limita a hablar sobre cine. imprescindible tanto para cualquier futuro artista como para aquellos que quieran conocer mejor al artista detrás de las películas. De hecho, funciona como unos apócrifos “comentarios del director” que leer o recordar según uno va viendo sus películas.

La expresión “esculpir en el tiempo”. Surgió de una concienzuda y radical reflexión de su propio trabajo artístico y su percepción. Describe la situación ideal como una vida completa, de ochenta años de tiempo, a la que se despoja de todo el material sobrante, hasta quedarse con las dos o tres horas que dura una película. Para Tarkovski, el cine es el arte que captura el tiempo tal cual, no como una abstracción, sino como una realidad, y demasiadas veces las películas ignoran este principio básico, y se dedican a cuestiones superficiales que lo abaratan y lo convierten en la barraca de feria que generalmente es. “El cine es una realidad emocional y, como tal, el espectador la percibe como una segunda realidad. Por este motivo, esa idea tan extendida de que el cine es un conjunto de signos me parece una idiotez, falsa en sus fundamentos.”

Esculpir en el tiempo se publica por vez primera en el año 1985, en la Alemania Federal de por entonces. Es la obra póstuma del autor y hay que decir que surge después de una gran derrota personal.

Su teoría reflexiona sobre ciertos aspectos en cuanto a la creación del arte del cine.
 
Manifiesta que no es en sí el montaje lo que le da el sentido al filme, como es ordinariamente asimilado, sino que se trata de ir más allá de lo común. Es como asimilar un cordel transparente que crea un significado y da vida a la película….

Ha sido ordinariamente necesario conceptuar la imprescindibilidad del montaje en la creación de cualquier arte. Sin embargo, la vida inicial del filme mana de los planos, en su particularidad y a raíz de la unión de estos. Es importante, ser conciso con la corriente de tiempo que fluye en cada uno de ellos, ya que este dota de precisión y gran significado.

La diferencia que se observa en el montaje, respecto a lo anterior citado, es que éste armoniza esos planos precisados temporalmente y le da vida a la película cargada de raíz con armonía, previamente, en lo que se refiere a tiempo.

Es relevante, crear particularmente una línea terrenal a la hora de hacer cine,todo consta en el ingenio del significado en toda la particularidad de cada paso que se de en su creación,ya que el simbolismo y su necesidad de interpretación, no forma parte de este arte. El resultado correcto de este trabajo, confiere a su creador un elevado valor profesional.

Es necesario, asimismo, mantener la naturaleza de las escenas y de la creación de cada plano para procesar un montaje factible ya que existe una legislación camuflada, que hay que seguir y/o interpretar, paso a paso, en cada creación. El no cumplimento de ésto, desembocara en un resultado complejo y poco efectista en cuanto a arte.

Se entiende que la creación de todo este montaje, es un procedimiento enrevesado en el que en cierta parte de sí se puede observar el patrón que reposa en el componente de todo. La particularidad y significado que se obtiene en el rodaje, genera de forma inerte la construcción del filme a través de su orden en el montaje.

Su delicado carácter profundo y el don particular que le fue concedido, en cuanto a su visión cineasta, son complejos de estructurar y posiblemente difíciles de asimilar.

Tarkovsky, trata de transmitir una sensibilidad de tiempo real y de darle a cada fotograma, un sentido particular de obra artística. Él, busca que en sus obras fluya una apreciación de cada delimitación y estructura.

Pretende flashear, con emociones y sentimientos, a sus espectadores a través de la captación del mundo real en el resultado de sus filmes.

Utiliza, con delicado esmero, todas las herramientas necesarias para que sus obras perduren en las memorias de las personas. Las tomas, los planos, las secuencias, el tiempo, el orden y la combinación y el montaje de ellas, requiere un riguroso y sistematizado trabajo que, finalmente, le concede el derecho a ser una obra de arte.

El proceso para llegar al resultado de una película, no es una simple unión de planos y secuencias y el consiguiente montaje de éstas. Sino un arduo análisis de un todo, desestructurado y estructurándolo a cada pequeño paso que evoluciona la creación. Como si de un puzzle se tratara. Encajar, correctamente, cada pieza para obtener el perfecto resultado, utilizando el tiempo necesario en cada elemento y el correcto contraste de éste, para dar en el clavo con el resultado que quiere ofrecer y crear con ello, una obra de arte

Laura Hernández Carmona
Comunicación – Historia y Teoría de la Imagen

 

El trabajo de Tarkovski ha sido objeto de varios congresos internacionales. En 1987 aparecieron una monografía en inglés, dos en francés, otra en alemán y una en italiano, consagradas a su obra. Al año siguiente, dos estudios más, los dos franceses. En 1993, Peter Green publicó un libro en Inglaterra y en 1994, dos profesores de la universidad de Indiana el suyo. En Rusia, salieron a la luz tres monografías desde la muerte del realizador. De ellas, es fundamental la editada por la hermana de Andrei, Marina, Sobre Andrei Tarkovski, que recoge los recuerdos de más de una veintena de amigos y colaboradores del realizador. En octubre de 1999, aparece otra biografia escrita por la mujer de realizador, Larisa, y publicada pocos meses antes de su fallecimiento.

Los archivos documentales de Tarkovski —que incluyen guiones, fotografías, artículos escritos por él mismo, entre otras cosas— se conservan en la actualidad en la Fundación Andréi Tarkovski, dirigida por Andréi Tarkovski, hijo del director, que tiene sus sedes en Moscú, Florencia y París.



Filmografía


- 1958.- Ubiytsy (Убийцы) (Asesinos) — Primera película como estudiante, basada en un cuento corto de Ernest Hemingway.

- 1958.- Kontsentrat (Концентрат) (Concentrado) — Segunda película de estudiante.

- 1959.- Segodnya uvolnéniya ne búdet (Сегодня увольнения не будет) (Hoy no se licenciará) — Tercera película de estudiante.

- 1960.- Katok i skripka  (Каток и скрипка) (La aplanadora y el violín) — Película de graduación en la escuela de cine.

- 1962.- La infancia de Iván (Ivánovo detstvo) (Иваново детство)

- 1966.- Andréi Rubliov (Андрей Рублёв)  — Biografía del pintor medieval Andréi Rubliov.

- 1970.- Solaris (Solyaris) (Солярис) — (Basada en la obra de Stanisław Lem) .

- 1975.- El espejo (Zérkalo) (Зеркало) .

- 1979.- Stalker (Cталкер) (también conocida como La Zona en algunos países de habla hispana; con guion de Arkadi y Borís Strugatski), a partir de su relato Pícnic junto al camino, también publicado como Pícnic extraterrestre .

- 1982.- Borís Godunov , filmación de su puesta en escena de la ópera de Músorgski dirigida por Claudio Abbado

- 1983.- Tempo di viaggio  — Televisión.

- 1983.- Nostalgia (Nostalguíya) (Ностальгия) .

- 1986.- Sacrificio (Offret) .
 

 
FUENTES:





 
http://www.imdb.com/name/nm0001789/

http://www.andreitarkovski.org/bibliografia.html