Carlos Saura

Si hubiera que resumir de manera sucinta el cine español, Saura conformaría con Luis Buñuel, Luis García Berlanga y PedroAlmodóvar el cuarteto de maestros, los motores que han impulsado la cinematografía nacional que contribuyeron a forjar la esencia del cine español durante la etapa más difícil de nuestra historia reciente, durante la dictadura y la transición hasta llegar a nuestro presente.

Nació en Huesca el 4 de enero de 1932 . Su padre, abogado del Estado, se convirtió en secretario del ministro de Finanzas, y por eso la familia Saura se mudó a Madrid, y de ahí a Valencia y Barcelona, acompañando durante la Guerra Civil al Gobierno de la República. Era el tercero de los cuatro hijos del matrimonio; el primogénito, Antonio, se convertiría con el tiempo en uno de los pintores españoles fundamentales del siglo XX.

Algunos de los primeros recuerdos del cineasta fueron los sinsabores de la contienda española, como recordaba al presentar el corto Rosa, rosae: ”Ese cura, esos bombardeos, esos asesinatos, hacen que me identifique con el tema. Con el filme he exorcizado aquellos recuerdos. La Guerra Civil no ha sido aún convenientemente tratada en el cine. Si acaso, un poquito. Muchas mías hablan de aquellos años, cierto. Pero faltan. Mi miedo actual es que aquel enfrentamiento se vuelva a producir en España. Por los conflictos que hay entre los partidos, por la violencia que se expresa oralmente... Me da miedo. No hemos aprendido nada”

También confesaba de aquel tiempo el dolor por la lejanía con su familia en su ir y venir (en uno de esos traslados, a Barcelona, descubrió el cine al ver películas de Walt Disney) y cómo acabada la contienda le enviaron a Huesca con su abuela y sus tías. “Nunca terminé de entender por qué de la noche a la mañana los buenos eran los malos y los malos, los buenos”.

Asentados los Saura en Madrid en 1941, Carlos empezó a ir mucho al cine, a ver El prisionero de Zenda, Horizontes perdidos y en general cine de aventuras y filmes de Lana Turner y Loretta Young. Fue también la época en la que nacieron otras de sus pasiones, la fotografia y la pintura

Por la fotografía comenzó su carrera artística. Saura logró el puesto de fotógrafo oficial del festival de música y danza de Granada, y de teatro de Santander, y en noviembre de 1951, con 19 años, expuso en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid, y participó en exposiciones colectivas del grupo Tendencias, junto a su hermano Antonio. En ese momento ya había rodado un documental en 16 milímetros sobre la pradera de San Isidro y su relación con Goya, que nunca montó. Empezó a estudiar Ingeniería Industrial, que abandonó al poco, para ingresar, impulsado por su hermano, en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas deMadrid (IIEC), donde obtuvo el diploma de dirección cinematográfica. Allí coincidió con Julio Diamante, Jesús Fernández Santos y Eugenio Martín, y como estudiante de la escuela fue a las Conversaciones de Salamanca de 1955, que pusieron patas arriba el cine español.

Realizó su primer cortometraje, ‘La tarde del domingo’, al que le siguió el documental ‘Cuenca que ’llamó la atención con su premio en el festival de San Sebastián, y su primer largometraje, Los golfos (1960),

rodado cuando solo tenía 27 años, producido por Pere Portabella y coescrito por Mario Camus, obra fundamental que entroncaba directamente con el neorrealismo italiano trasladado a la realidad española. Logró un recorrido internacional con su cenit en Cannes, donde Saura conoce personalmente a Buñuel. Es también el arranque de su dolorosa relación con la censura franquista, que le prohibió varios guiones, retrasó el estreno de muchas de sus películas y siempre le tuvo bajo su punto de mira. Solo cinco años más tarde llegaría La caza (1966), el inicio de su colaboración con el productor Elías Querejeta ), con un asunto de gran dureza donde hizo un análisis de las heridas provocadas por la guerra civil en la terrible historia de una partida de caza entre personajes que representaban distintas posturas vitales. La escenografía en exteriores, en un paisaje árido y la fotografía muy contrastada de Luis Cuadrado, hicieron de esta obra una referencia para el cine posterior y obtuvo grandes éxitos internacionales, consiguiendo el premio a la mejor dirección en el Festival Internacional de Cine de Berlín. 'La caza' fue la película que lo catapultó al éxito. Saura confesaba: “Algunos dicen que es mi mejor película. Está bien, pero no lo creo. A veces siento la necesidad de que la violencia salga en mis películas, depende de mi momento anímico. Es verdad que La caza puede considerarse una metáfora de la Guerra Civil. Pero la que más corresponde a ese episodio es ¡Ay, Carmela!”. ¿Cómo representar mejor la guerra civil española sin hablar de ella solo a través de un punto de vista alegórico?

Con Querejeta llegaron trabajos poderosos como Peppermint frappé (1967), El jardín de las delicias (1970) —retenida siete meses por la censura—, Ana y los lobos (1973), La prima Angélica (1974) —la censura prohibió el guion en dos ocasiones, y a la tercera, y una vez filmada, la vieron seis ministros antes de darle la aprobación definitiva, Cría cuervos (1976) —su primer guion en solitario—, Elisa, vida mía (1977), Mamá cumple 100 años (1979) —continuación de Ana y los lobos— y Deprisa, deprisa (1981) —su apertura a los problemas de la juventud de aquella época—. Es un cine espléndido, sin igual, de un estilo seco, directo, a ratos casi abstracto y desde luego fiel reflejo y cartografía de los males que enfermaban España. Es también una época marcada por su emparejamiento con Geraldine Chaplin y la consolidación de Saura como mito del cine europeo.

La película que marca su consolidación internacional fue La prima Angélica (1973), que recibió el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes; en ella, el pasado (1936) y el presente (1973) se funden y esto se muestra mediante la confusión del tiempo histórico que se produce en los planos de la película, incluso dentro de una misma secuencia.

Así se delata el tema de la presencia de las heridas del pasado en el presente, clásico asunto del psicoanálisis. La fusión del tiempo tiene también otras consecuencias frustrantes, como el contraste entre el amor infantil de Luis y Angélica, que ha sido acaso su único amor, y la relación adulta de un Luis con una Angélica ya casada en una situación que hace imposible la recuperación de aquella relación afectiva. No es este el primer film que explora el recuerdo y la intromisión del pasado en el presente, que estaba ya bien dibujado en obras anteriores, como El jardín de las delicias (1970).

Con la llegada de la democracia a España, Saura se convirtió en uno de los cineastas más destacados de la Transición. Los ojos vendados (1978) es un alegato contra la tortura y las injusticias en Latinoamérica. Al año siguiente abordó su primera comedia con su revisión de la familia de Ana y los lobos en clave cómica y con un aire de fin de franquismo en Mamá cumple cien años. Fue todo un éxito de crítica y público, premiada en varios festivales y seleccionada para el Óscar a la mejor película extranjera.

En 1980 cambió de registro y volvió al cine popular, al que trata problemas contemporáneos como la marginación juvenil, con Deprisa, deprisa, que obtuvo el Oso de Oro del Festival de Berlín.

En 1981 comenzó la colaboración con AntonioGades y con el productor Emiliano Piedra. Tras ver su ballet teatral Bodas de sangre, Saura le propuso llevarlo al cine, con lo que inició un género de musical genuino y alejado de los moldes anglosajones. El musical recabó un éxito inesperado internacional tras proyectarse en Cannes. Con la película Bodas de sangre (1981) inventa un nuevo género de película de danza y contribuye con ello a la extraordinaria divulgación que experimenta estos últimos años el baile español en el mundo. De nuevo con Antonio Gades y Emiliano Piedra prepara una adaptación de la ópera de Bizet Carmen que se convierte en un éxito internacional en 1983, premiada en Cannes y seleccionada para el Óscar. Con El amor brujo, inspirada en la obra homónima de Falla, su musical más ambicioso hasta ese momento, cerraría una trilogía dedicada al musical español contemporáneo.

En 1992 Carlos Saura realiza la pel·lícula sobre los XXV Juegos Olímpicos de Barcelona y entraba en su época más ecléctica, en la que a inmersiones musicales como Sevillanas (1992), Flamenco (1995) —donde comienza su colaboración con el director de fotografía Vittorio Storaro, que da unidad a los bailes— o Tango (1998)

El Dorado (1988) —en su estreno, la película más cara del cine español—, La noche oscura (1989) —en contraposición, un filme intimista sobre san Juan de la Cruz—,

¡Ay, Carmela! (1990) —su retorno a la coescritura con Azcona, un éxito de taquilla y ganadora de 13 premios Goya, entre ellos dirección y guion—, ¡Dispara! (1993) —en ella inicia su relación con la actriz Eulalia Ramón, con la que se casó en 2006, y madre de su hija pequeña, Anna—, Taxi (1996), Pajarico (1997) —con la que rememora a su familia murciana—, Goya en Burdeos (1999) —homenaje a su admirado pintor—, Buñuel y la mesa del rey Salomón (2001) —inspirada en su amado Buñuel y el ambiente de la Residencia de Estudiantes— o El séptimo día (2004).

Nunca afrontó la muerte, porque nunca estuvo en sus planes fallecer, eso explica que sea uno de los pocos maestros del cine que no filmara una película crepuscular, una revisión sobre su carrera o su infancia. “Me gusta la vida en cada momento; pocas veces miro hacia atrás”.