Spencer Tunick - paisajes humanos desnudos

Spencer Tunick nació en Middletown, condado de Orange, Nueva York, Estados Unidos el 1 de enero de 1967.

Tunick es un fotógrafo estadounidense cuya especialidad es fotografiar masas de personas desnudas en disposición artística y ha recorrido Europa y América en pro de su arte escénicoEn 1986, viajó a Londres donde tomó fotografías de desnudos en un paradero de autobuses a los montones de desnudos en Alleyn's School en el salón inferior en Dulwich, en el Municipio de Southwark. Posteriormente obtuvo un Bachelor of Arts de parte del Emerson College en 1988.

Es muy conocido por sus fotografías de grandes masas de personas desnudas dispuestas en artísticas formaciones, a menudo situadas en localizaciones urbanas y conocidas como Instalaciones. Surgen de estas imágenes una serie de tensiones al observador entre los conceptos de: lo público y lo privado, lo tolerado y lo prohibido, la moral y lo inmoral o lo individual y lo colectivo.

Fotógrafo contemporáneo cuya práctica única se centra en el desnudo, fotografiando multitudes masivas de personas desnudas en actuaciones complejas. Describiendo su trabajo como una instalación humana, la práctica de Tunick se deriva de una investigación de la división entre identidad y privacidad. Sus fotografías exponen simultáneamente la singularidad al tiempo que objetivan la masa de individuos, creando una especie de paisaje humano. "Para mí, el cuerpo desnudo es como una materia prima", ha dicho. "Otro artista podría usar aceite o arcilla. Me encanta el hecho de que, en masa, se puede convertir en un número infinito de formas o abstracciones, mientras que el entorno que elijo (rural, urbano, interior o exterior) es como un lienzo". Sus elaboradas sesiones pueden involucrar a cientos o miles de voluntarios desnudos, que son capturados en lugares específicos de interés nacional, a menudo con el objetivo de resaltar preocupaciones sociales o ambientales.

Tunick comenzó en el año 1992 fotografiando personas desnudas por las calles de Nueva York. Sus fotos rápidamente se hicieron populares y decidió ampliar su trabajo por otros estados de Norteamérica, en su proyecto denominado Naked States (Estados desnudos). Más tarde hizo una gira internacional, a la que denominó Nude Adrift (Desnudo a la Deriva) tomando fotografías por ciudades como: Buenos Aires, Brujas, Londres, Lyon, Melbourne, Montreal, Caracas, Santiago,[1] México, São Paulo, Newcastle, Bogotá o Viena.

Spencer Tunick realizó sus primeras representaciones de cuerpos desnudos en paisajes urbanos en la Nueva York de los noventa. A pesar de que la desnudez pública era legal en aquel entonces, el artista fue arrestado en 1994 con una modelo femenina cuando ella posaba desnuda en el Centro Rockefeller de Manhattan (Nueva York). Esto exigió un plan de acción que funcionó a la perfección para evitar problemas con la policía.

En junio de 2003, llegó a fotografiar a 7000 personas desnudas en Barcelona. En mayo de 2007, en la Ciudad de México rompió su propio récord logrando juntar en la Plaza de la Constitución (Zócalo) de esta ciudad a cerca de 19.000 participantes que se desnudaron sin prejuicios.

Si bien la desnudez era un espectáculo provocador en sus primeras obras, el artista la percibe simplemente como "el cuerpo sin ropa". Consideremos los cientos de cuerpos pintados de azul en el Mar de Hull, que transforman una calle anónima en una representación abstracta de una masa de agua (humana) que atraviesa la ciudad. La desnudez es un elemento auxiliar similar a otros efectos como la tela, la pintura o la luz solar; activa el espacio de forma energética. Sus modelos son voluntarios que únicamente reciben una foto firmada por su colaboración.

En 2007, el presidente de México Felipe Calderón intentó censurarlo, según dicho por Tunick, luego de que lograra fotografiar a más de 19.000 personas en el Zócalo de la Ciudad de México.

Tiene un éxito generalizado por su trabajo, obteniendo apoyo y comisiones de organizaciones sin fines de lucro como Greenpeace y la Fundación Dream Amsterdam. Desde 1994, el artista ha organizado más de 70 instalaciones de desnudos a gran escala en los Estados Unidos y en el extranjero. Vive y trabaja en Brooklyn.

Sus gigantescos paisajes humanos desnudos desafían los géneros y transforman los espacios públicos. Figurativos y abstractos a la vez, inherentemente públicos, pero a la vez profundamente íntimos: representan la unidad sincera y las profundas diferencias. Las fotografías son a la vez pictóricas y escultóricas, pero también instalaciones. Aquí le preguntamos a Spencer sobre su mundo creativo y cómo surgieron las ideas de la contraposición de cuerpos desnudos en la tierra y en paisajes urbanos.

Si hay un género que se aplica a la obra de Spencer Tunick, es el de la fotografía de grupo. Tunick reúne a miles de personas, orquestando sus posiciones con sumo cuidado. En una época donde ser fotografiado desnudo es una práctica común, Tunick eleva el género para crear un punto de encuentro entre el arte contemporáneo y su público. Esto es evidente en Columbia, donde el ambiente dorado rebosa de personas ubicadas en cada rincón del encuadre. Sin embargo, cada persona sentada está de espaldas al escenario, mirando directamente a la cámara y, por lo tanto, finalmente observando al público de la fotografía. Los límites entre el espectador y el observado se difuminan a medida que Tunick revela las complejas relaciones inherentes a la fotografía: la conmemoración de un grupo se convierte en un momento electrizante y dinámico.

La masa de cuerpos —lo que el artista denomina "el cuerpo en múltiple"— es un rasgo innegablemente cautivador de la obra de Tunick. Bodo Bodyscape es una oda a este fenómeno: cuerpos humanos se pliegan sobre una ladera que domina una pequeña ciudad noruega al amanecer. Cada persona sostiene una luz solar en sus brazos extendidos, reflejando las luces de la ciudad al fondo. Como pieza de land art, Tunick utiliza el cuerpo como materia orgánica para crear esculturas efímeras en entornos naturales. En una tendencia que recorre toda su carrera, juega con cuidado con las oposiciones entre lo público y lo privado, lo orgánico y lo sintético. En definitiva, Tunick convierte las ciudades en cuerpos, los cuerpos en ciudades, y convierte lo familiar en un encanto sin precedentes. Para muchos que han visto sus obras o incluso han participado, pero no las comprenden bien, Tunick es muy generoso y participativo al explicar su trabajo para que todos puedan comprenderlo. Dice:

comence a fotografiar desnudos en las calles de Nueva York a principios de los 90. En aquel entonces, mi trabajo era más narrativo o retratista. Consistía en reunirme con amigos al amanecer en Nueva York para cocrear estos retratos individuales, peculiares, surrealistas y extravagantes. Uno a uno con la gente. Después de un tiempo, se corrió la voz y cada vez más gente quería posar, así que, sin darme cuenta, ya había mucha gente que quería participar en mis retratos. Solo podía trabajar los fines de semana porque siempre intentaba evitar a los peatones y el tráfico, y solo los fines de semana, al amanecer, las calles estaban vacías. A medida que mis fines de semana se llenaban de sesiones, descubrí que mucha gente se decepcionaba de que no pudiera fotografiarlos debido al tiempo limitado del calendario, ya que el verano y el clima cálido eran escasos en el noreste de Estados Unidos. Así que, debido a estas limitaciones prácticas, empecé a pensar en maneras de adaptarme a todos. Fue entonces cuando empecé a agrupar a varias personas en una sola toma. Fue entonces cuando vi que algo en mi trabajo empezaba a cambiar, y eso me emocionó. Cuando los cuerpos se agrupan, empiezan a perder su individualidad y se convierten en una sustancia que contrasta o forma parte de un lugar. Sabía que quería seguir explorando eso. Fue a partir de esa transformación inicial de la obra, de individuos a grupos, que mi obra evolucionó hasta convertirse en lo que es hoy.

¿Qué artistas te hicieron querer ser artista?

Yayoi Kusama fue la más influyente, en particular sus desnudos en Nueva York en los años 60. Otros artistas que me inspiraron fueron Carolee Schneemann, Nancy Rubins, Richard Long y Robert Smithson.

¿Por qué los desnudos? ¿Qué tiene el cuerpo desnudo que te impulsa a usarlo?

Es la relación entre el mundo natural y el mundo concreto lo que me cautiva. La forma humana es la conexión entre ellos.

¿Por qué siempre espacios públicos?

El cuerpo desnudo es una explosión de vida en espacios públicos. Despierta al público al arte y la libertad.

¿Qué es lo vital para usted de la desnudez humana?

Que un desnudo pueda ser representado como digno y honorable.

¿Por qué eliges la ubicación? ¿Y cuál es la relación entre la ubicación y el cuerpo humano?

Observo las calles y el pavimento tanto como estudio el paisaje urbano. Quiero que la gente transforme el espacio.

Como viaje como artista, ¿cuáles fueron los pasos vitales que diste para llegar donde estás ahora?

Mi madre estudió arte en Parsons, Nueva York. Siempre me llevaba a museos desde pequeño. Mis primeros recuerdos se centran en ver arte en paredes blancas. Desde dibujos de colosales paletas de helado de Claes Oldenburg hasta ver El sueño de Henri Rousseau en el MOMA de Nueva York. También me fascinaba la Casa de la Cascada, la casa diseñada por Frank Lloyd Wright. Así que los pasos cruciales comenzaron al estar expuesto al arte, la arquitectura y los museos desde muy joven.

Mi padre era fotógrafo, al igual que mi abuelo y bisabuelo. No eran fotógrafos artísticos, pero siempre tuve cámaras para experimentar durante mi infancia. Mi familia me introdujo al arte y me brindó las herramientas para comenzar mi trayectoria artística, lo que me ha llevado hasta donde estoy ahora.

Cuéntanos sobre la relación que existe entre un desnudo individual y el grupo de desnudos en tu obra.

En 1990 tomé mi primer desnudo individual en público, en el estacionamiento de un supermercado al norte del estado de Nueva York. Disfruté la experiencia de trabajar al aire libre y no estar confinado en un espacio interior. Para 1994, había tanta gente que quería posar para mí en mis retratos callejeros individuales de desnudos, que me habría llevado años realizar cada uno. Así que decidí contactar a todos los que esperaban y que todos me conocieran en las Naciones Unidas. Este primer trabajo grupal es la exposición en la Galería Reflex. Supongo que soy una persona complaciente. No quería decepcionar a la gente. Así que hice mi primer trabajo grupal para complacer a la gente.

¿Qué es lo que te apasiona creativamente?

Sinceramente, mi familia me hace muy feliz. Disfruto de las pinturas de mi esposa, Kristin Bowler, y a veces colaboro con ella. A veces pinta sobre mis fotografías y, para otras colaboraciones, invitamos a la gente a sostener sus pinturas de cabezas de mujer. Pueden encontrar sus obras en Instagram @kystlpink. Mis dos hijos dibujan muy bien. Una quiere ser astrofísica, no artista, pero tiene un talento increíble para el dibujo, y eso me deja alucinada. Y mi hijo menor pinta de maravilla. Siempre me sorprende. Así que supongo que las familias creativas me encantan.

The Reflex Amsterdam representa a más de 30 artistas contemporáneos. Además, la galería cuenta con una amplia experiencia en la búsqueda de obras tanto en el mercado primario como en el secundario. Además de sus seis exposiciones anuales, la galería se especializa en la producción de libros, grabados y ediciones limitadas exclusivas en estrecha colaboración con sus artistas.